Die Werke der Galerien

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Monkeybird - " Traits-d'Union " (Bindestriche) 80 x 105 cm Schablone, Acryl auf altem Holz 2022 Diese authentische Schablone, die fein auf edles Holz aufgetragen wurde, ist ein Überbleibsel aus der Zeit des heimlichen Gebrauchs in der Stadt. Sie zeigt die minutiöse Technik der Schablonenkünstler und enthüllt ihre Geheimnisse in der Tradition der Meister der Buchmalerei, Gravur und Intarsienarbeit. Diese Spitze aus Papier wird auch die anspruchsvollsten unter Ihnen begeistern, die auf der Suche nach vertraulichen Sammlerstücken sind. Das 2012 gegründete Kollektiv Monkey Bird Crew (MBC) besteht aus zwei jungen Künstlern aus Bordeaux: Temor und Blow the Bird (oder The Blow). Die beiden Schablonenkünstler, die für ihre präzisen Linien und die feinen, vollständig von Hand ausgeführten Schnitte bekannt sind, haben sich auf die Darstellung metaphysischer Architekturen spezialisiert, in denen der Vogel ("Blow") und der Affe ("Temor") zusammenleben. Sie lassen sich von Abhandlungen über Geometrie, Mechanik, Kosmologie und Astronomie inspirieren und variieren ihre Arbeit mit allen möglichen Medien, wobei sie auch Buchmalerei und Kalligraphie verwenden. Darüber hinaus sind sie besessen davon, die Präsenz von Tieren auf den Mauern der Städte wieder einzuführen. Diese Tiere, die den Tieren in den berühmten Fabeln von La Fontaine nicht unähnlich sind, verweisen uns schelmisch auf unsere eigenen menschlichen Sorgen, die zwischen dem Wunsch nach Freiheit und Erhabenheit (symbolisiert durch den Vogel) und den materiellen und körperlichen Obsessionen, von denen sich der Mensch nicht befreien kann (der Affe), angesiedelt sind. Sie besetzen Stadtmauern (Paris, wo sie leben, Lille, Bordeaux, aber auch Amsterdam, Neu-Delhi und mehrere Städte in Mexiko), produzieren aber auch Werke auf verschiedenen Abfallträgern (Holz, Metall, Glas) und auf Papier.

4.800 EUR

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Antonio Bokel - Title: Flag - 2021 Acryl, Cut-outs auf Stoff mit Eisenstange. Größe: 170x174 cm Antonio Bokel offenbart eine ständige Überschneidung zwischen Kunst und dem Stoff des städtischen Lebens als konstituierende Teile seines symbolischen Universums. He uses this experience of the city like existential sequences - there he builds his referential space, there he seems to invent a territory, there he intends to constitute an esthetic and spatial extension in a broader dimension. Its area of intersection there is a capacity for poetic improvisation from the assimilation of the most varied materials and supports, such as enigmatic objects, urban utensils, the insertion of letters, word games or literary fragments, which pass through the murals, on the surfaces of canvases, photographs, sculptures or spatial installations. In seiner Malerei finden wir die Chöre seines Wirkungskreises, die auf eine integrierende Kraft seiner ästhetischen Anliegen hinweisen, indem er Farben, Formen und Volumen in einem Mosaik aus rhythmischen Brushstrokes ausbalanciert, die die Asymmetrien der Welt ans Licht bringen. In diesem unruhigen Territorium beschwört der Künstler eine Reflexion über den zeitgenössischen städtischen Raum herauf. Seine künstlerische Produktion ist kein isoliertes Phänomen im Studio, sondern schreibt sich selbst in die Welt ein, in eine öffentliche Sphäre, indem er sein Auftauchen an den Stadtwänden verkörpert - beides gleichzeitig begrüßt seine malerische Praxis und schafft eine Verschmelzung zwischen dem Werk und der Welt.

9.100 EUR

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Dize - Ohne Titel (Sitz A Kiko), 2022, Mischtechnik auf rundem Sitz A Kiko der Pariser Metro, 68 x 68 x 22 cm Customized Stadtmobiliar und Graffiti-beschmierte und neu interpretierte Objekte des öffentlichen Nahverkehrs haben den Kellerraum der Galerie Wallworks für die außergewöhnliche Ausstellung "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL" erobert. Der Zugang erfolgt über eine Treppe, die mit Tags und Graffiti bedeckt ist. Die Künstler haben sich aller Arten von Elementen der Stadt und des öffentlichen Verkehrs bemächtigt: Telefonzellen, Ampeln, Straßenlaternen, Emailleschilder, eiserne Vorhänge, Briefkästen, Schilder der U-Bahnen von Paris, Moskau und New York, Kuhköpfe von Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, SNCF-Waschbecken, Sitze der RATP und andere Autoersatzteile... Sieben Stücke, die bei der Vernissage noch unberührt präsentiert wurden - darunter das ikonische M aus gelbem Plastik, emaillierte Schilder und eine U-Bahn-Tür - sollen von neuen Künstlern angepasst und bei künftigen Kunstperformances fertiggestellt werden.Aus der Graffiti-Bewegung oder der urbanen Kunst: 36 amerikanische, europäische, südasiatische und russische Künstler erwecken all diese Alltagsgegenstände zu neuem Leben in einem großen, farbenfrohen Graffiti-Basar. Diese neue Gruppenshow knüpft an das Prinzip früherer Gruppenausstellungen mit rund 50 Street Artists an - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) -, für das Claude Kunetz ein Geheimnis hat. Er adaptiert das Know-how aus seinem ursprünglichen Beruf als Filmproduzent für die Ausstellungsgestaltung, indem er Vintage-Stadtmöbel aufspürt und sie Künstlern zur individuellen Gestaltung anvertraut. Das ikonische gelbe Plastik-M - mit Neonlicht hinterleuchtet - und die emaillierten Eisenschilder der Metro sowie die runden Sitze "A Kiko", die laut ihren Designern und Konstrukteuren ursprünglich als "resistent gegen Verbrennungen, Kratzer, Graffiti (sic) und mechanische Beanspruchung" konzipiert waren, wurden kürzlich bei einer Auktion der RATP zugunsten von Recueil Social erworben und werden ab der Vernissage in ihrer ursprünglichen Form präsentiert. Anschließend werden sie neuen Künstlern anvertraut, die sie anpassen und ihnen in Kunstperformances während der gesamten Ausstellung den letzten Schliff verleihen. Neben einigen älteren Stücken aus früheren Ausstellungen vervollständigen zwei große Emailleschilder mit den Namen der Stationen Trocadéro und Strasbourg Saint-Denis, die von COLORZ bzw. PSYCKOZE gestaltet wurden, diese Reihe von Elementen der öffentlichen Verkehrsmittel und des Stadtmobiliars, die alle frei und künstlerisch neu interpretiert wurden.

2.600 EUR

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ADAM FRANCOIS VAN DER MEULEN (atelier de) - Der feierliche Einzug Ludwigs XIV. und Maria Theresias von Österreich in die Stadt Douai am 23. August 1667. Werkstatt von Adam-François van der Meulen (Brüssel, 1632 - Paris, 1690). Öl auf Leinwand, H. 62 cm, B. 80 cm. Rahmen aus der Epoche Louis XIV aus vergoldetem Holz mit reichen Schnitzereien aus Ranken und Voluten "à la Berain". Maße gerahmt: H. 83 cm, L. 100 cm Unser bemerkenswertes Gemälde illustriert die Kapitulation von Douai, den feierlichen Einzug des Königs und der königlichen Familie, aber auch - zu Propagandazwecken - einen der Höhepunkte des Devolutionskriegs (1667-1668), des ersten der großen Kriege des jungen Herrschers. Das dargestellte Ereignis entspricht einer Episode des Flandernfeldzugs von 1667, an der der König selbst beteiligt war: Am 6. Juli 1667 ergab sich die Stadt Douai nach einer viertägigen Belagerung den französischen Armeen. Der König, der seine Truppen anführte, machte sich daraufhin auf den Weg, um Königin Maria Theresia in Compiègne abzuholen, ihr diese in ihrem Namen gemachte Eroberung zu zeigen und einen feierlichen Einzug in die flämische Stadt zu halten. Van der Meulen hält den Moment unmittelbar vor dem Einzug in die Stadt fest, als die Magistrate der Stadt kommen, um vor den Stadtmauern ihre Unterwerfung zu bezeugen. In der Mitte der Komposition erschien Königin Maria Theresia an der Tür einer reich verzierten Prunkkutsche, begleitet von Damen aus ihrem Gefolge. Die Prozession hat vor der Porte d'Arras, einem der Eingänge in die Stadt Douai, angehalten - im Hintergrund sind der Belfried und der Turm der Kirche Saint-Pierre zu sehen. Eine Gruppe schwarz gekleideter Schöffen kniet vor ihr nieder, um ihrer Oberherrin zu huldigen und ihr die Schlüssel der Stadt zu übergeben. Diese zentrale Szene wird von Reitern im Vordergrund eingerahmt und ist in eine bunte Militärmenge im Hintergrund eingebettet. Umgeben von seinen Generälen reitet der König links von der Kutsche auf einem braunen Pferd. Er trägt einen Hut mit roten Federn, ein goldbesticktes Trikot, eine weiße Schärpe und stützt sich mit seiner rechten Hand auf einen Stock. Seine Haltung gegenüber dem Betrachter, dem sich seine gesamte Umgebung zuwendet, vervollständigt die Identifizierung als Herrscher. Im Hintergrund ist die Stadt Douai vor einem blauen Himmel mit vereinzelten Wolken zu sehen, der vom Rauch der Kanonen dominiert wird und anzeigt, dass die Belagerung zu Ende geht. Die teilweise zerstörten Stadtmauern bieten vielen Zuschauern Platz, ebenso wie die Brücke, die in die Stadt führt. Es ist bekannt, dass Van der Meulen im Jahr 1667 eine Reise nach Flandern unternommen hatte, um sich mit den örtlichen topografischen und städtischen Gegebenheiten vertraut zu machen. Die auf unserem Gemälde dargestellte Szene ist ein hochpolitisches Ereignis seitens des jungen Herrschers, der, um spanische Provinzen zu beanspruchen, dort eine dieser Stadt dargebrachte Ehre veranstaltet, und zwar in der Person der französischen Königin Maria Theresia von Spanien, der Tochter ihres früheren Herrn Philipp IV, die von ihrem Vater die Rechte an den zurückeroberten Gebieten geerbt hatte. Grund für den Krieg sind die jeweiligen Ansprüche von Ludwig XIV. und Kaiser Leopold I. auf die Erbfolge ihres gemeinsamen Schwiegervaters, des spanischen Königs Philipp IV. Ein Sommerfeldzug wurde vom französischen König im Mai 1667 in Richtung der spanischen Niederlande gestartet: Charleroi, Ath, Tournai und schließlich Douai am 7. Juli fielen innerhalb eines Monats. Der König, der von den großen Künstlern Charles Le Brun und Adam Frans van der Meulen wunderbar unterstützt wurde, entschied sich für ein ikonografisches Programm zur Feier dieser Militärkampagne und wählte dafür das Medium des Wandteppichs. Von den zahlreichen Themen, die für den Wandbehang "Histoire du Roy" ausgewählt wurden, beziehen sich fünf auf Ereignisse des Devolutionskriegs. Nach der Belagerung von Tournai war die zweite dargestellte Episode die Belagerung von Douai, die am 4. Juli 1667 stattfand. Es wurden also zwei Themen für Douai ausgewählt: die Einnahme der Stadt, aber auch der feierliche Einzug am 23. August, für den eine Zeichnung von Le Brun und van der Meulen in Versailles aufbewahrt wird. Da der Wandteppich zu dieser Episode nie gewebt wurde - wahrscheinlich, weil Colbert der Meinung war, dass er sich mit der Einnahme der Stadt am 7. Juli 1667 überschnitt -, ist unser Gemälde ein wertvolles Zeugnis dieses königlichen Auftrags, für den einige Versionen mit Varianten durch den Maler und sein Atelier bekannt sind. Verwandte Werke : 1. Adam Frans Van der Meulen, Öl auf Leinwand, 63 x 81 cm, Versailles, Musée national du château, Inv. MV 5906.(Abb.1) Diese Version gilt als Originalskizze für den Karton, der für die Gobelin-Manufaktur in Auftrag gegeben wurde und für die Histoire du Roi bestimmt war. 2. Öl auf Leinwand, 61,8 x 93 cm, Paris, Niederländisches Institut, Custodia-Stiftung, größere Komposition mit zusätzlichen Details links und rechts (Inv. 3595). 3. Öl auf Leinwand, 74 x 92 cm, Douai, Musée de la Chartreuse, Komposition mit demselben Bildausschnitt wie in Versailles. 4. Öl auf Leinwand, 65,5 x 82 cm. Antwerpen, The Phoebus Foundation. 5. Öl auf Leinwand, 65 x 82 cm. Verkauf Artcurial, 16. Juni 2020

28.000 EUR

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Robert Le Vrac Tournieres - Portrait de femme en Flore Robert Le Vrac Tournieres (1667-1752) Ravissant portrait en buste d'une aristocrate de la cour de Louis XV, déguisée en Flore, déesse du printemps. Représentée en buste jusqu’à la taille, elle est vêtue d’une robe de soie grise brodée de fils d'or autour de l’échancrure. Une large étole rose enveloppe gracieusement sa figure, tandis qu'une guirlande de fleurs descend le long de ses épaules. La tête légèrement inclinée, tournée de trois quarts, la jeune femme regarde le lointain ce qui apporte un effet rêveur a ses larges yeux d’un brun velouté. Le pinceau de l’artiste brosse avec douceur son visage aux reflets roses nacrés où le rouge fiévreux des joues s’oppose au gris givré des cheveux poudrés. La fraicheur de la jeunesse et l’élégance naturelle se dégagent de ce portrait où l'artiste anime le modèle grâce a son pinceau savant. Ecole Française du XVIIIème siècle Robert Le Vrac Tournières (Caen 1667-1752) Huile sur toile ovale, Dimensions : h. 69 cm, l. 55 cm Important cadre en bois doré et richement sculpté d’époque Louis XIV Dimensions encadrés : h. 93 cm, l. 80 cm Sur l'oeuvre de Robert le Vrac Tournières voir le catalogue de l'exposition du musée des Beaux-Arts de Caen: Robert Le Vrac Tournières, les facettes d'un portraitiste, par Eddie Tassel et Patrick Ramade; juin-septembre 2014 (Snoeck 2014) Robert LE VRAC TOURNIERES (Caen 1667-1752) Fils d’un tailleur de Caen, Robert Le Vrac se forme auprès de Bon Boulogne à Paris. Il devient membre de l’Académie de Saint-Luc en 1695. Le peintre se fait appeler Robert Tournières, ce nom désignant la terre d’origine de la famille, un lieu-dit près de Bayeux. Il collabore avec Hyacinthe Rigaud et exécute des copies de ses œuvres en 1698 et 1699. Il est reçu comme portraitiste à l’Académie en 1702. Tournières est remarqué au Salon de 1704 où il expose une vingtaine d’œuvres, essentiellement des portraits, individuels ou collectifs, et des peintures d’histoire. Ambitieux et plein de ressources, Tournieres ne renferme pas son talent dans le genre étroit de portrait, mais touche à l’histoire profane et sacrée, la specialité qui lui a valu une seconde reception a l’Academie en tant que peintre d’histoire. Maglré cette double admission, c’est plutôt dans l’art du portrait qu’il a eu une longue et brillante carrière presque exclusivement parisienne. Pendant près d'un demi-siècle, c'est une clientèle aristocratique et bourgeoise qui fréquente son atelier. Son style singulier et reconnaissable tout en étant fidele aux formules definies par Rigaud et Largilliere révèlent un talent et savoir-faire honorables. Un observateur doté de patience, il est connu pour ses coloris delicats, la souplesse de son pinceau et ses drapés élégants. Souvent négligé et méconnu des critiques d’art, injustement relégué au second plan face aux géants du portrait XVIIIème, très peu gravé par ses contemporains, son œuvre sort de l’oubli et l’hommage lui a été rendu par le musée de Caen en 2014 avec une exposition monographique.

13.800 EUR

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Hendrik Czakainski - Action May 68, 2018, Mischtechnik auf dem Originalumschlag des Magazins "Action", 54 × 37 cm 42 Urban-Art-Künstler äußern sich auf Original-Titelseiten der militanten Zeitung "Action" aus dem Mai 68. Die Galerie Wallworks wurde 2011 von Claude Kunetz in Paris gegründet und hat sich schnell einen Platz in der Graffiti-Kunstszene erobert. Sie veranstaltet Solo-Shows, die französischen (Nebay, Tilt) oder amerikanischen (Rime, Haze) Graffiti-Künstlern gewidmet sind, sowie Gruppen-Shows, bei denen die Künstler eingeladen werden, Stadtmobiliar zu individualisieren. Ursprünglich als Filmproduzent tätig, passt Claude Kunetz sein Produktionswissen an die Gestaltung von Ausstellungen an, indem er Vintage-Stadtmobiliar zusammenstellt, das er Künstlern aus der Graffiti-Bewegung und der Urban Art als Gestaltungsmittel anvertraut. Mit "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) hat er sich auf diese Ausstellungen spezialisiert, für die zahlreiche Graffiti- und Street-Artists auf allen Arten von Stadtmobiliar tätig werden: Telefonzellen, Briefkästen, Ampeln, Leuchtschilder, Straßenlaternen, U-Bahn-Schilder, emaillierte Straßenschilder, eiserne Vorhänge, Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, Zugbänke, Autoersatzteile... Anlässlich des 50. Jahrestags des Mai 68 wiederholte er das Experiment, indem er den Künstlern diesmal Originalausgaben der Zeitung Action anvertraute. Die erste Ausgabe der von dem Journalisten Jean Schalit gegründeten Zeitung Action erschien am 7. Mai 1968. Sie diente als Sprachrohr für die Forderungen mehrerer Studentenbewegungen und Lyzeen-Aktionskomitees. Die Seiten von Action wurden von zahlreichen Zeichnern wie Siné, Topor und Wolinski gestaltet. All diese Dokumente, die seit 50 Jahren aufbewahrt werden, wurden damals von Claude Kunetz gesammelt, als er als Vorpubertärer bei seinen Eltern in der Rue Gay-Lussac lebte. Beeindruckt von der Hektik der Barrikaden, die er von seinem Fenster aus beobachtete, machte er sich daran, diese Dokumente methodisch zu sammeln. Die Ausstellung zeigt außerdem eine Auswahl an Flugblättern und Dokumenten aus der damaligen Zeit.

1.500 EUR

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Zeng Nian - Action May 68, 2018, Mischtechnik auf dem Originalumschlag des Magazins "Action", 54 × 37 cm 42 Urban-Art-Künstler äußern sich auf Original-Titelseiten der militanten Zeitung "Action" aus dem Mai 68. Die Galerie Wallworks wurde 2011 von Claude Kunetz in Paris gegründet und hat sich schnell einen Platz in der Graffiti-Kunstszene erobert. Sie veranstaltet Solo-Shows, die französischen (Nebay, Tilt) oder amerikanischen (Rime, Haze) Graffiti-Künstlern gewidmet sind, sowie Gruppen-Shows, bei denen die Künstler eingeladen werden, Stadtmobiliar zu individualisieren. Ursprünglich als Filmproduzent tätig, passt Claude Kunetz sein Produktionswissen an die Gestaltung von Ausstellungen an, indem er Vintage-Stadtmobiliar zusammenstellt, das er Künstlern aus der Graffiti-Bewegung und der Urban Art als Gestaltungsmittel anvertraut. Mit "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) hat er sich auf diese Ausstellungen spezialisiert, für die zahlreiche Graffiti- und Street-Artists auf allen Arten von Stadtmobiliar tätig werden: Telefonzellen, Briefkästen, Ampeln, Leuchtschilder, Straßenlaternen, U-Bahn-Schilder, emaillierte Straßenschilder, eiserne Vorhänge, Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, Zugbänke, Autoersatzteile... Anlässlich des 50. Jahrestags des Mai 68 wiederholte er das Experiment, indem er den Künstlern diesmal Originalausgaben der Zeitung Action anvertraute. Die erste Ausgabe der von dem Journalisten Jean Schalit gegründeten Zeitung Action erschien am 7. Mai 1968. Sie diente als Sprachrohr für die Forderungen mehrerer Studentenbewegungen und Lyzeen-Aktionskomitees. Die Seiten von Action wurden von zahlreichen Zeichnern wie Siné, Topor und Wolinski gestaltet. All diese Dokumente, die seit 50 Jahren aufbewahrt werden, wurden damals von Claude Kunetz gesammelt, als er als Vorpubertärer bei seinen Eltern in der Rue Gay-Lussac lebte. Beeindruckt von der Hektik der Barrikaden, die er von seinem Fenster aus beobachtete, machte er sich daran, diese Dokumente methodisch zu sammeln. Die Ausstellung zeigt außerdem eine Auswahl an Flugblättern und Dokumenten aus der damaligen Zeit.

1.500 EUR

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JEAN II PENICAUD (actif 1532–1549) - FRIEDENSKUSS AUS LIMOGES-EMAIL Der auferstandene Christus, umgeben von der Jungfrau Maria und dem Evangelisten Johannes. In Grisailletechnik auf Kupfer gemaltes Emaille, Goldhöhungen. In seinem gebogenen Kupferrahmen, der Henkel auf der Rückseite endet in einem Kleeblatt. Sehr guter Zustand der Erhaltung. Limoges, erste Hälfte des 16. Jahrhunderts. H. 8,1 x L. 6,1 cm. Emaille: H. 6,4 cm. Historischer Hintergrund Noch immer in seine vergoldete Kupferfassung eingefasst, hat dieses Bild seine Funktion bewahrt. ursprüngliche liturgische Funktion als Osculator (oder Friedenskuss). Im 16. Jahrhundert wurden die Friedensküsse häufig die Ikonografie von Christus am Grab. In unserem Fall wird Christus jedoch lebendig dargestellt, mit offenen Augen, den Kopf kaum zu Maria gewandt: Er ist also gerade auferstanden. Christus sitzt auf einer Basis in der Mitte der Szene, sein Oberkörper ist dem Betrachter zugewandt, und er bildet die Symmetrieachse dieser isokephalen Gruppe. Ein dünnes Perizonium umgibt seine Taille, seine Wunden sind noch blutend und von seinem Kopf gehen Lichtstrahlen aus. Er wird von Maria zu seiner Rechten und Johannes dem Evangelisten zu seiner Linken gestützt, die beide einen Heiligenschein tragen und ihre Köpfe zu ihm hinwenden. Die Gruppe hebt sich scharf vom schwarzen Hintergrund ab. Durch den Ausschluss des unteren Teils der Szene richtet der Bildausschnitt die Aufmerksamkeit noch stärker auf das Zentrum der Komposition, das von der Büste Christi eingenommen wird. Die perfekte Technik der mit rosafarbenem Fondant getönten Grisaille, kombiniert mit dem präzisen, abwechslungsreichen und von der Antike und dem italienischen Manierismus beeinflussten Design, legt es nahe, Jean Penicaud II (1515-1588) die Urheberschaft für unsere Emaille zuzuschreiben. Jean II Penicaud stammte aus einer Familie von Emailleuren und war im zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts in Limoges tätig. Die Schönheit seiner Werke und ihre Seltenheit auf dem Markt machten ihn zu einem besonders gefragten Emailleur. Verwandte Werke - Jean II Penicaud (Att. à), Madonna mit Kind, als Friedenskuss montiertes Emaille, H. 11 cm, aufbewahrt im Musée des Arts Décoratifs (Inv. 16741) (Abb. 1). Maria trägt einen langen Schleier mit demselben Faltenwurf; obwohl umgekehrt, sind die Position ihres etwas gesenkten Kopfes und ihr Gesicht in Dreiviertelansicht vergleichbar. Auch die kleine runde Befestigung unter dem Kragen mit kreisförmigem Rand, von der die Falten über der Brust ausgehen, findet sich sehr deutlich als Wiederholung auf dem Gewand des Johannes in unserem Email wieder. - Johannes II. Penicaud, Christus trägt das Kreuz, rundes Emaille, d. 12,1 cm, im Metropolitan Museum in New York (Inv. 32.100.256) (Abb. 2). Bei der Christusfigur ist sein Gesicht in der Dreiviertelansicht gleich, er hat den gleichen gegabelten Bart, lange Haare und sehr feine goldene Strahlen, die von seinem Kopf ausgehen. Die Figur der heiligen Veronika hat ein Gewand, das dem Marias sehr ähnlich ist; die Drapierung der rechten Schulter der Figur, die den Kreuzstrumpf trägt, ähnelt der von Maria auf unserem Emaille. Das Gesicht und die Haare des Henkers in der Tunika ähneln den Gesichtszügen unseres Johannes. Schließlich findet sich auf der New-York-Emaille die ausgeprägte Notation des Knies unter dem Tuch, die bei Maria oder Johannes dem Evangelisten zu finden ist. - Jean II Penicaud, Die Kreuzigung, gebogene Emailleplatte, h. 15,2 cm, aufbewahrt im Musée du Louvre (Inv. OA 2524) (Abb. 3). Die Christusfigur ist sehr ähnlich: derselbe über die Lippen hinausragende Schnurrbart, dieselben goldenen Strahlen um den Kopf, dieselbe anatomische Präzision bei der Wiedergabe der Muskeln, ein feines Perizonium mit gleichem Faltenwurf; Ähnlichkeiten auch bei der Behandlung der schattierten Partien auf der linken Seite des Torsos. Drei weibliche Figuren am Fuß des Kreuzes tragen denselben Typ von langem Schleier wie Maria auf unserer Emaille. Die heilige Frau, die an der linken Bordüre steht, hat auf ihrer Schulter denselben Drapierückschlag, der ihren Arm bedeckt, wie unsere Jungfrau Maria.

15.000 EUR

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Maya - MAYA - Pectorale‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  Plaque Pectorale représentant un seigneur - MAYA - Mexique - 600 – 800 AP. J.-C - Précolombien Hauteur : 11,1 cm Largeur : 8,1 cm Epaisseur : 1,2 cm Jadéite verte Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture Ce pectoral est une splendeur de l’art maya, un bijou porté par un homme de lignée royale, à des fins esthétiques, sociales et religieuses. Il est réalisé dans une magnifique jadéite, une variété de jade considérée comme sacrée en Mésoamérique, où les hommes associaient sa couleur bleu-vert à l’eau et voyaient en elle une pierre de vie et de fertilité, voire une pierre d’éternité capable d’assurer la survie de l’âme dans l’au-delà.   Le travail sculptural est remarquable. L’artiste a volontairement composé avec la forme naturelle de la plaque de jade brute, l’intégrant pleinement dans sa création, peut-être pour préserver la beauté et l’intégrité de ce précieux matériau et par là-même l’efficacité des pouvoirs qui lui étaient conférés. La finesse de l’ouvrage atteste de l’intensité du labeur. Sculpter une roche aussi dense que le jade est une ascèse, souvent comparé au lent processus de perfection et d’élévation de l’esprit. Le rendu doux et brillant, obtenu après un polissage et un lustrage intensifs, est l’aboutissement éclatant d’une dévotion sans borne, qui confirme la très grande valeur de cet ouvrage.

Preis auf Anfrage

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Marion Sagon - Marion Sagon, Beautifull Sunset, 2021, Auf Papier gedruckt, 40 x 30 cm, Marion Sagon wurde 1983 in Frankreich geboren und arbeitet zwischen Frankreich, den Niederlanden und England. Sie ist seit 2011 Absolventin der École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier Agglomération. Arbeit. Mit ihren großformatigen digitalen Zeichnungen lädt Marion Sagon uns zu einer Reise oder vielmehr zu einem Hin und Her zwischen den virtuellen Welten, die sie konstruiert, und unserer Position in der Realität ein. Ihre digitalen Landschaften, die anschließend in dem Bestreben, den Akt der Maschine zu reproduzieren, bildlich dargestellt werden, vermischen Architekturen, die sie bei Stadtwanderungen fotografiert, mit Landschaftsbildern, die sie im Internet gesammelt hat. Die Werke schaffen im Raum der Galerie Fenster zu diesen neuen Welten, in denen Natur und menschliche Konstruktion in einem perfekten Gleichgewicht miteinander verwoben sind. Durch ihre Arbeit enthüllt sie unsere Welt - Kombination aus Bebauung, Natur - als eine Ansammlung austauschbarer Formen, die sich nach und nach vereinheitlichen. Ihre digitalen Umgebungen stellen unsere Sehgewohnheiten in Frage und bieten gleichzeitig vertraute Welten an - die der Stadtränder, der banalen Architektur oder auch der umgebenden Landschaften - in einem Ganzen, das zur Kontemplation einlädt und im weiteren Sinne Fragen aufwirft: Wie hat der Mensch, indem er sich die Natur angeeignet hat, seine Umgebung "geo-massiert"? Über ihr Interesse an der Landschaft hinaus hinterfragt Marion das digitale Zeitalter mit Installationen mit digitalen Aspekten, die dem Traumhaften nahestehen. Ihre Skulpturen, die durch Entnahmen aus 3D-Programmen bereichert werden, stellen vereinfachte Naturelemente dar, die direkt aus virtuellen Welten zu stammen scheinen. Sie bilden wie generische Erinnerungen und digitale Artefakte eine Art Archiv, eine Archäologie der Zukunft.

180 EUR

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L'Insecte - "Die Wolke ist dunkel, aber das Wasser ist rein" Mischtechnik auf Holz Einzigartiges Werk Format: 47 x 34 cm Einrahmung: weißer Holzrahmen Das Werk erwerben L'INSECTE (geboren 1986) Ein Insekt ist ein oft ungeliebtes Wesen, das jedoch für das Ökosystem unentbehrlich ist... Ist das nicht der Grund, warum der aus der Graffiti-Szene stammende Künstler beschließt, es zu seinem Blaze zu machen? Eine Bezeichnung, die wie eine Parallele zwischen seinen beiden Lebensgründen klingt: der Natur und der Street Art, dieser Bewegung, die seit ihrer Entstehung so sehr verunglimpft wurde und bereits so tief in der Kunstgeschichte verankert ist! L'Insecte ist ursprünglich ein Hardcore-Graffiti-Künstler, der Typografien und insbesondere die Old-School-Buchstaben der 90er Jahre liebt. Er sprüht auf Straßen, Brachflächen, verlassenen Häusern... und diskret an seinen fordernden Botschaften angebracht, kann man den Tag "1sekte" entziffern, den Tag, den er für die Straße reserviert. Aber L'Insecte ist auch ein Verweis auf die Natur, die ihm am Herzen liegt und in deren Mitte er gerne lebt. Denken Sie nicht, dass Graffiti den großen Metropolen vorbehalten ist. Im Laufe der Jahrzehnte hat es die Felder und das Land überquert, um auch die kleinsten kleinen Bahnhöfe in der Provinz zu inspirieren, zu sublimieren (vandalisieren?). Holz wurde mit der Zeit zu seinem bevorzugten Material. Immer wieder recycelt, chiniert er es, behandelt es, schleift und bemalt es. L'Insecte ist also eine Mischung aus Natur und Hip-Hop-Graffiti-Kultur. Es bedeutet, eine Eule auf Eichenholz zu sprühen, einen Bären mit Posca zu zeichnen und mit sanften Strichen und brutalen Worten anzuprangern. Denn ja, L'Insecte prangert an, und hinter den hübschen Tieren, den warmen Farben und den geschickt rhythmisierten Kompositionen der Latten ist die Botschaft klar und spricht alle an!

1.000 EUR

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Francois Weil - Table Basse en Fer Soudé & Granite Vers 2005-2006 Signée Plateau en verre L-l : 160cm x H : 40cm ------------- « Tout part d’un point, une obsession, on tourne autour, pendant qu’elle tourne elle aussi ; elle tremble, vibre. Une absurdité qui ne se laisse pas démonter, elle s’impose. Elle permet juste de laisser une trace. J’ai pris part à ce moment. » La passion de la sculpture naît vers l’âge de 6 ans chez François Weil. Avant de se lancer, à Paris, à l’École nationale supérieure des Arts appliqués et des Métiers d’art, puis à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts, il réalise ses premières œuvres en terre en 1979. « La sculpture semble plus proche du réel donc bien plus excitante », glisse-t-il. Son œuvre est celle de l’oxymore : elle allie massivité de la pierre et légèreté de sa mobilité, animation et inertie, stabilité et déséquilibre. Le mouvement est partout : les masses rocheuses s’articulent et gravitent autour d’un axe central actionné par le spectateur. Les sculptures animées se transforment en ring où se confrontent la pierre, matière naturelle et expression de la réalité, et un mécanisme « avatar de la construction humaine ». « La technique permet juste de jouer avec la réalité », précise François Weil. Mue par le spectateur, la pierre, s’offre comme un défi à l’apesanteur. C’est un « équilibre instable » qu’exprime François Weil. « L’harmonie ne peut se concevoir qu’en prenant les éléments au plus proche de ce qu’ils sont, en les considérant dans leur état vivant ». Une harmonie du déséquilibre qui se joue de notre perception. « Notre perception et la réalité sont accoutumées à ce jeu de cache-cache, perception empreinte de nos désirs et de nos besoins d’appropriation. L’histoire de l’humanité cherche à comprendre et à maîtriser son environnement. Dans cette quête qui nous concerne nous et nos semblables, nos divers moyens d’expressions ne font que tendre vers la réalité. ». Cette matière manipulée, détournée, tel un jeu de dupe attirera les galeristes français dès sa sortie de l’école en 1989. Dès lors, tout s’enchaîne et en particulier de nombreuses réalisations monumentales d’un bout à l’autre du globe : en Chine et au Guatemala, en Allemagne et en Russie, en Belgique et au Mali... Il s’établit dès lors entre Onzain (Loir-et-Cher) et Issy-les- Moulineaux (Hauts-de-Seine). Cette renommée grandissante lui permit de décrocher le Prix Pierre Cardin de l’Académie des Beaux-arts de Paris, en 1997, et neuf ans plus tard, le Grand Prix de la Biennale de sculpture de Poznan, en Pologne. Dans la lignée de son travail avec la matière, François Weil pratique également la photographie et la gravure. Sa fascination pour l’animation le conduit aussi à la vidéo. « Le réel n’est pas figé, explique l’artiste. La matière n’est jamais immuable, elle entretient toujours un rapport au temps. Réaliser des films permet de prendre des notes ou de transcrire ce fait, même si cela reste une approximation. » Graves et lents, ses films sont loin d’être aux antipodes de sa pratique sculptée. « Une même source nourrit mon travail, malgré le changement de médium. Sculptures, films et gravures se nourrissent l’une de l’autre. Je m’intéresse à des choses très variées sans savoir par avance ce que j’en ferai, sans sujet prédéterminé ou conscient. » Film, gravure ou sculpture, le sujet reste la pierre qu’elle soit basalte, ardoise, granite ou marbre. « Je n’interviens que rarement sur l’esthétique d’une pierre. Ou alors, le plus souvent est- ce pour essayer de dissimuler cette intervention et garder l’esprit de cette matière, conserver sa parole. »

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Veracruz - ‎ ‎ ‎VERACRUZ - Hacha ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  Hacha cérémonielle représentant un jaguar tirant la langue - VERACRUZ – MEXIQUE - 450 - 750 AP. J.-C. - Précolombien Hauteur : 20 cm Largeur : 12,7 cm Epaisseur : 14,5 cm Tuf volcanique avec importantes traces de cinabre. Yeux : Trace d’oxyde de fer due à une incrustation de pyrite Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture Cette œuvre singulière est une hache cérémonielle représentant une tête de jaguar, provenant de la région du Veracruz au centre de la côte du Golfe du Mexique. Ce type de sculptures étaient utilisées dans le cadre des tournois de jeu de balle, un sport rituel pratiqué dans toute la Mésoamérique, aux incidences politiques, sociales et religieuses considérables. Elles sont associées à deux autres types de sculptures désignées sous le nom de joug et de palme.   Cette pièce se distingue par ses formes exagérées, sculptées en fort relief, un traitement qui donne une grande force à cette tête féline qui pourrait évoquer un être surnaturel. L’animal présente de grandes oreilles dressées, pointues et profondément creusées, séparées par une crête massive comportant des stries sur les côtés. Les arcades sourcilières sont arrondies et proéminentes et également striées sur le devant. Les yeux sont ronds et creux. Les traces jaunes visibles au niveau des cavités proviennent de la pyrite, un minéral brillant considéré comme sacré, qui jadis devait être incrustée.

Preis auf Anfrage

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Bates - Action May 68, 2018, Mischtechnik auf dem Originalumschlag des Magazins "Action", 54 × 37 cm 42 Urban-Art-Künstler äußern sich auf Original-Titelseiten der militanten Zeitung "Action" aus dem Mai 68. Die Galerie Wallworks wurde 2011 von Claude Kunetz in Paris gegründet und hat sich schnell einen Platz in der Graffiti-Kunstszene erobert. Sie veranstaltet Solo-Shows, die französischen (Nebay, Tilt) oder amerikanischen (Rime, Haze) Graffiti-Künstlern gewidmet sind, sowie Gruppen-Shows, bei denen die Künstler eingeladen werden, Stadtmobiliar zu individualisieren. Ursprünglich als Filmproduzent tätig, passt Claude Kunetz sein Produktionswissen an die Gestaltung von Ausstellungen an, indem er Vintage-Stadtmobiliar zusammenstellt, das er Künstlern aus der Graffiti-Bewegung und der Urban Art als Gestaltungsmittel anvertraut. Mit "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) hat er sich auf diese Ausstellungen spezialisiert, für die zahlreiche Graffiti- und Street-Artists auf allen Arten von Stadtmobiliar tätig werden: Telefonzellen, Briefkästen, Ampeln, Leuchtschilder, Straßenlaternen, U-Bahn-Schilder, emaillierte Straßenschilder, eiserne Vorhänge, Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, Zugbänke, Autoersatzteile... Anlässlich des 50. Jahrestags des Mai 68 wiederholte er das Experiment, indem er den Künstlern diesmal Originalausgaben der Zeitung Action anvertraute. Die erste Ausgabe der von dem Journalisten Jean Schalit gegründeten Zeitung Action erschien am 7. Mai 1968. Sie diente als Sprachrohr für die Forderungen mehrerer Studentenbewegungen und Lyzeen-Aktionskomitees. Die Seiten von Action wurden von zahlreichen Zeichnern wie Siné, Topor und Wolinski gestaltet. All diese Dokumente, die seit 50 Jahren aufbewahrt werden, wurden damals von Claude Kunetz gesammelt, als er als Vorpubertärer bei seinen Eltern in der Rue Gay-Lussac lebte. Beeindruckt von der Hektik der Barrikaden, die er von seinem Fenster aus beobachtete, machte er sich daran, diese Dokumente methodisch zu sammeln. Die Ausstellung zeigt außerdem eine Auswahl an Flugblättern und Dokumenten aus der damaligen Zeit.

1.500 EUR

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RARE BOÎTE DE PRÉSENT AU PORTRAIT DU MARÉCHAL NEY, PARIS, 1809-1815 - Rechteckige Tabatière aus schwarzem Schildpatt mit einer Fassung aus 18 Karat Gold (750 Tausendstel). Der mit einem Drücker aufklappbare Deckel ist mit einem wunderschönen ovalen Miniaturporträt von Michel Ney (1769-1815), Marschall des Kaiserreichs (1804), Herzog von Elchingen (1808) und Prinz von Moskau (1813), eingelegt, das rechts mit "hollier" signiert ist. Er ist als Büste mit nacktem Kopf, kurzen lockigen Haaren und langen, rötlich schimmernden Koteletten dargestellt. Er trägt eine schwarze Krawatte und ist in den bestickten Anzug eines Maréchal d'Empire mit Schulterklappen gekleidet. Er trägt die rote Seidenkordel des Großadlers der Ehrenlegion, die mit Silberfäden bestickte Großadlerplakette, den goldenen Stern der Ehrenlegion für Offiziere und höhere Dienstgrade, der an seinem roten Band hängt, und das Abzeichen des Ritters der Eisernen Krone Italiens, das an seinem gelben Band mit grünen Rändern hängt. Paris, 1809-1815. Goldschmied: wahrscheinlich Antoine Tardiveaux (1798-c. 1815). Stempel des 3. Titels (Hahn nach links) und der großen Garantie (Löwenkopf) für Paris (1809-1819). Stempel des 3. Titels mit Bärenkopf (1795-1838). Guter Allgemeinzustand, kleine Schuppenabplatzungen am Rand, Feuchtigkeitsspuren auf der Miniatur. B. 8 x T. 6 x H. 2,5 cm. Bruttogewicht: 82,3 g. Herkunft - Geschenk, gestiftet von Marschall Michel Ney, Herzog von Elchingen, Fürst von Moskau (1769-1815). - Französische Privatsammlung. Ausstellung Die Miniatur, die möglicherweise von Hollier im Salon von 1808 unter der Nr. 294 ("M. le maréchal Ney") ausgestellt wurde. In Beziehung stehende Werke Eine ähnliche Tabakdose mit einer identischen, von Hollier signierten Miniatur, die Marschall Ney seinem Adjutanten M. Vallet schenkte, wurde bei Binoche & Giquello am 20. Juni 2012, Los 18, verkauft. Historischer Hintergrund Jean-François Hollier (1772-1845), ein Schüler von Jacques-Louis David und Jean-Baptiste Isabey, war einer der besten Miniaturmaler seiner Zeit. Er wohnte in Paris und stellte zwischen 1804 und 1831 im Salon aus. In seinem Nachruf wurde er mit folgenden Worten geehrt: "(...) er ging fast unmittelbar nach Isabey, fast alle markanten Persönlichkeiten des Kaiserreichs wollten ihr Porträt von ihm ausgeführt haben...".

18.000 EUR

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Reso - Ohne Titel (Colonel Fabien), 2015, Sprühfarbe und Acryl auf emaillierter Platte der Pariser Metro, 35 x 120 cm Customized Stadtmöbel und Graffiti-beschmierte und neu interpretierte Objekte aus öffentlichen Verkehrsmitteln haben den Kellerraum der Galerie Wallworks für die ungewöhnliche Ausstellung "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL" erobert. Der Zugang erfolgt über eine Treppe, die mit Tags und Graffiti bedeckt ist. Die Künstler haben sich aller Arten von Elementen der Stadt und des öffentlichen Verkehrs bemächtigt: Telefonzellen, Ampeln, Straßenlaternen, Emailleschilder, eiserne Vorhänge, Briefkästen, Schilder der U-Bahnen von Paris, Moskau und New York, Kuhköpfe von Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, SNCF-Waschbecken, Sitze der RATP und andere Autoersatzteile... Sieben Stücke, die bei der Vernissage noch unberührt präsentiert wurden - darunter das ikonische M aus gelbem Plastik, emaillierte Schilder und eine U-Bahn-Tür - sollen von neuen Künstlern angepasst und bei künftigen Kunstperformances fertiggestellt werden.Aus der Graffiti-Bewegung oder der urbanen Kunst: 36 amerikanische, europäische, südasiatische und russische Künstler erwecken all diese Alltagsgegenstände zu neuem Leben in einem großen, farbenfrohen Graffiti-Basar. Diese neue Gruppenshow knüpft an das Prinzip früherer Gruppenausstellungen mit rund 50 Street Artists an - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) -, für das Claude Kunetz ein Geheimnis hat. Er adaptiert das Know-how aus seinem ursprünglichen Beruf als Filmproduzent für die Ausstellungsgestaltung, indem er Vintage-Stadtmöbel aufspürt und sie Künstlern zur individuellen Gestaltung anvertraut. Das ikonische gelbe Plastik-M - mit Neonlicht hinterleuchtet - und die emaillierten Eisenschilder der Metro sowie die runden Sitze "A Kiko", die laut ihren Designern und Konstrukteuren ursprünglich als "resistent gegen Verbrennungen, Kratzer, Graffiti (sic) und mechanische Beanspruchung" konzipiert waren, wurden kürzlich bei einer Auktion der RATP zugunsten von Recueil Social erworben und werden ab der Vernissage in ihrer ursprünglichen Form präsentiert. Anschließend werden sie neuen Künstlern anvertraut, die sie anpassen und ihnen in Kunstperformances während der gesamten Ausstellung den letzten Schliff verleihen. Neben einigen älteren Stücken aus früheren Ausstellungen vervollständigen zwei große Emailleschilder mit den Namen der Stationen Trocadéro und Strasbourg Saint-Denis, die von COLORZ bzw. PSYCKOZE gestaltet wurden, diese Reihe von Elementen der öffentlichen Verkehrsmittel und des Stadtmobiliars, die alle frei und künstlerisch neu interpretiert wurden.

2.800 EUR

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Francis Beboux - Francis Beboux (1915-2015) Skulptur aus geschweißtem Eisen Montiert als leuchtende Wandleuchte. Signiert, um 1970-1975 H: 91,5cm - L: 143cm ---------------------- 1915 ließ sich das Ehepaar Rosa und Francis Béboux in Neuallschwil nieder, wo am 10. Dezember desselben Jahres ihr Sohn Francis geboren wurde. Die Kinder- und Jugendjahre, die Francis Béboux mit seinem älteren Bruder Ernst, seinem jüngeren Bruder René und seiner jüngeren Schwester Ruth teilt, prägen ihn zutiefst. Francis Béboux schüttelt bereitwillig seine Erinnerungen aus dem Ärmel. Er erzählt lebendig und malerisch, wie er den alten Schreinermeister Jehle bei der Arbeit beobachtete. Dort lernte er, wie man mit einem Schnitzmeißel umgeht, wie man Holz bearbeitet und wie man aus einem Abfallstück ein Modellflugzeug baut. Der junge Francis schaute auch gerne in der Schlosserei des Dorfes und beim Spengler vorbei, wo er seine ersten Eindrücke sammelte. Er war stolz darauf, dass er den Mechanikern der Autowerkstatt Erhard und Dalward bei kleinen Arbeiten helfen konnte. Seine Kindheit war zwar nicht verwöhnend, aber sie hinterließ ihm eine Fülle von praktischen Beispielen und ein echtes Gefühl der Wertschätzung, das das spätere Leben des Künstlers stark prägte. In dieses Register gehört auch die Geschichte, wie der kleine Francis in den Besitz eines Fahrrads gelangte. Diese Anekdote, die zwar aus einer längst vergangenen Zeit stammt und in den Annalen des Dorfes Allschwil verzeichnet ist, veranschaulicht die Hartnäckigkeit und die Charakterstärke dieses Kindes, das als Erwachsener diese Energie mobilisieren konnte, um auch die am wenigsten nachgiebigen Materialien zu bearbeiten. Ein Fahrrad war in den 1920er Jahren noch nicht der alltägliche Gegenstand, den heute jedes Kind besitzt, sondern stellte früher einen Luxusgegenstand für Kinder dar, insbesondere wenn sie aus einer bescheidenen Familie stammten. Für die Familie des Postbeamten Béboux gehörte ein Fahrrad auf jeden Fall zum Reich der Träume. Damals machte der Postbote seine Runden zu Fuß. Ingenieure und andere Experten staunen immer wieder darüber, wie souverän Béboux mit Chromstahl, Bronze und Kupfer umgeht. Viele Bewunderer von Béboux würden gerne - aber vergeblich - einen Tag damit verbringen, ihm in seiner Werkstatt über die Schulter zu schauen. Was an Béboux zunächst erstaunt, ist sein Prinzip, dass keine fremden Hände an der Arbeit beteiligt sind. In autonomen Arbeitsprozessen wird das Material vorbereitet, geschmiedet und geschweißt; selbst der Steinsockel, auf dem die Skulptur verankert wird, wird zunächst von Béboux Schweissen selbst bearbeitet. Er vereint Vorstellungskraft mit handwerklichem Geschick, handwerkliche Technik mit künstlerischer Kreativität und jenem Stolz, der einst diejenigen beseelte, die am Bau der großen mittelalterlichen Kathedralen beteiligt waren. Man ist immer wieder erstaunt über die Technik, die Béboux anwendet, um verschiedene Metalle durch ein eigenes Verfahren zu schweißen und zusammenzufügen. Die Schmelzpunkte der verschiedenen Materialien weichen stark voneinander ab - wie schafft es Béboux, sie miteinander zu verbinden? Der Künstler, der nur wenige Werkzeuge verwendet und im Wesentlichen nur ein elektrisches Schweißgerät, einen Hammer, einen Amboss und eine Schneidemaschine einsetzt, ist nicht bereit, seine Geheimnisse preiszugeben. Er zeigt sich wenig geneigt, eine Arbeitsweise zu enthüllen, die wahrscheinlich nur sehr schwer zu vermitteln wäre. Wenn Francis Béboux sagt: "Ich bin der größte Bewunderer meiner Kreaturen", so ist dies kein Ausdruck von Selbstüberschätzung oder Größenwahn. Charakteristisch ist, dass er nicht von Werken oder Arbeiten spricht, sondern ausdrücklich von "Geschöpfen". Nach einer anfänglichen Phase der Komposition entwickeln die Geschöpfe ihr eigenes Leben, und ihr Schöpfer wird zu ihrem Beobachter und unter bestimmten Umständen sogar zu ihrem Bewunderer oder Kritiker. Es ist auch der Respekt vor dem Material, der den Künstler Béboux zu einem Bewunderer macht - er stellt seine Skulpturen oft aus Abfallmaterialien oder Metallfragmenten her. Die Entwicklung ist immerwährend. Für Francis Béboux ist jeder Tag ein neuer Anfang, der immer wieder die Konzentration auf das Wesentliche erfordert, zur Selbstverwirklichung beiträgt und zu neuen Formen des künstlerischen Schaffens führt. Anfang und Ende verschmelzen im Prozess des künstlerischen Schaffens. Es ist immer der Anfang - und die Entwicklung kennt kein Ende. Meta Zweifel Französische Übersetzung: Marie-Claude Buch-Chalayer

Preis auf Anfrage

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Umberto Brunelleschi - Cabaret-Tänzerin - Umberto Brunelleschi, c. 1912. Tänzerin in einem Cabaret. Zeichnung in Aquarell, Gouache, Feder und Tusche, um 1912 von Umberto Brunelleschi (1879-1949). Signiert in der unteren rechten Ecke. Größe (oval) c. 32,5 x 24 cm. Der italienische Maler Umberto Brunelleschi arbeitete von 1900 bis zu seinem Tod in Paris. Seine Arbeit als Maler und vor allem als Kostüm- und Bühnenbildner machten ihn zu einer herausragenden Figur in der Geschichte der Theaterkostüme und des Bühnenbildes des 20. Jahrhunderts. Ab 1910 gab Brunelleschi den Ton an, indem er Werke schuf, die vom Venedig des 18. Jahrhunderts in den Fêtes Galantes des Dichters Paul Verlaine inspiriert waren. Diese Bilder waren voll von eifersüchtigen Harlekins, verspielten Mädchen und betrogenen Pierrots, die in eine Atmosphäre von Schmachten oder komischer Traurigkeit getaucht waren. Mit der Wahl dieser Themen beschritt Brunelleschi einen neuen Weg, der sich deutlich von den verschiedenen Avantgarde-Bewegungen in der Malerei unterschied, die einerseits versuchten, die moderne Technologie zu verherrlichen, und andererseits neue räumliche Dimensionen definierten. Doch diese Vorliebe für Fabeln und Träume war das Ergebnis besonderer historischer und spiritueller Bedürfnisse. Europa wurde zu dieser Zeit auseinandergerissen und es gab große soziale und politische Unruhen. Die Mittelschicht genoss die letzten warmen Tage der Belle Époque und wurde von einem Gefühl der Unsicherheit erfasst. Die Menschen flüchteten sich in den lauwarmen, aber unterhaltsamen Reiz einer unwirklichen Märchenwelt. Dieser Hang zur Flucht und zum spirituellen Rückzug passte zu Brunelleschis Natur, und er wurde zu einem ihrer begabtesten und erfolgreichsten Interpreten. Die Themen Tapferkeit, Gefühl und Anmut des 18. Jahrhunderts verschmelzen in diesen Jahren mit einem kühnen und fantasievollen Orient. Diese Zeichnung einer Tänzerin ist ein schönes Beispiel dafür. 1928 schrieb ein Pariser Kritiker: "Brunelleschis Kunst hat nichts Realistisches an sich. Er wüsste nicht, wie er mit dem modernen Leben mit seinen riesigen Fabriken und den Straßen voller Menschen umgehen sollte. Aber die Welt der Fiktion, die so viel schöner ist als die menschliche Welt, lässt er Wirklichkeit werden." Preis: 6.500 Euro (einschließlich Rahmen)

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