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Skulpturen, Marmor und Bronzen

Holz, terrakotta, gips, stein, elfenbein, marmor, metall, bronze: die auktionen für skulpturen, marmor und bronze vereinen kunst und materie.
Bei diesen auktionen steht die klassische skulptur im mittelpunkt, von den bronzestatuetten der italienischen renaissance über die porträts aus weißem marmor von jean-antoine houdon bis hin zu den terrakotta-büsten von augustin pajou. Von der jungfrau maria mit kind bis hinzu den tierskulpturen von antoine-louis barye, rembrandt bugatti und françois pompon. Auch moderne und zeitgenössische bildhauer begeistern uns bei den auktionen. Insider und nicht unbekannte in dieser speziellen und beliebten kategorie von skulpturen, marmor und bronze sind: auguste rodin, camille claudel, aristide maillol, alexander calder, niki de saint phalle und jean tinguely, arman, césar und alberto giacometti. Wussten sie? Hundert jahre nach dem tod von auguste rodin erzielte ein patinierter bronzeabzug des ewigen frühlings, der von diesem bildhauer genie signiert war, bei drouot einen preis von fast 2 millionen euro.

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Empfohlene Lose

Eduardo CHILLIDA (1924-2002) Hommage an Penrose Aquatinta, nummeriert 59/99, signiert unten links. H. : 29 cm; Breite : 25 cm (das Motiv) Provenienz : - Galerie Lelong, Oktober 1990 Eduardo Chillida, ein spanischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts, wird für seine abstrakten Skulpturen, die im öffentlichen Raum ausgestellt werden, gelobt. Nach einem Architekturstudium in Madrid wandte er sich 1947 der Bildhauerei zu, wobei er vor allem Stahl und Granit bearbeitete. Obwohl sein Werk durch mehrere internationale Auszeichnungen und Ausstellungen anerkannt wurde, blieb es in Spanien lange Zeit unbekannt. Seine Arbeiten beziehen sich oft auf seine baskische Kultur. Im Jahr 2000 wurde in Hernani ein Museum eröffnet, um sein Vermächtnis nach seinem Tod im Jahr 2002 fortzuführen. ACHTUNG: LAGERUNG UND ABHOLUNG DA UNSERE KANZLEI DERZEIT UMGEBAUT WIRD, MÜSSEN ALLE LOSE IN UNSEREM MÖBELLAGER IN SAINT-OUEN ABGEHOLT WERDEN. BITTE BRINGEN SIE DAZU IHRE RECHNUNG UND EINEN AUSWEIS MIT. Adresse: LTSE - 50, rue Ardoin 93400 Saint-Ouen - Gebäude 556C. Öffnungszeiten 8:30-12:30 Uhr - 14:00-17:00 Uhr (Montag bis Freitag). GPS-Standort: 48.9116440170972, 2.322533212510162. KOSTEN FÜR DIE LAGERUNG : - Kostenlose Lagerung für alle Abholungen in der ersten Woche bis einschließlich 29. April. - 5 Euro/Tag und Partie ab dem 30. April einschließlich. EXPEDITION: KEIN EXPEDITIONSVERSAND WIRD VON AUDAP & Associés VERSICHERT. Sie können sich an den Dienstleister Ihrer Wahl wenden, insbesondere : - The Packengers: hello@thepackengers.com - Mehdi Mentouri: mentouri.mehdi@gmail.com - LTSE: contact@ltse.fr

Schätzw. 400 - 600 EUR

François Pompon (1855-1933) Perlhuhn Modell geschaffen um 1910-1912, diese Bronze ausgeführt am 20. April 1928. Bronze mit schwarzer Patina Auf der Terrasse mit "POMPON" signiert. Trägt den Stempel des Gießers "CIRE PERDUE A.A. HEBRARD" und ist mit "D 3" nummeriert. Dim.: 20 x 20,5 x 10,5 cm (Terrasse) Verwandte Werke: -François Pompon, Perlhuhn, zwischen 1910 und 1912, Bronze, Abm. 20,1 x 10,8 x 29,7 cm, Paris, Musée d'Orsay, Vermächtnis des Künstlers aus dem Jahr 1933, Inv.RF.3272. Bibliografie : -Catherine Chevillot, Liliane Colas, François Pompon 1855-1933, Paris, Gallimard / Electa. Réunion des musées nationaux, 1994, Modell aufgelistet unter Nr. 153A "Eines Tages war René (Demeurisse) fasziniert, als er auf einem Regal im Atelier Tüten aus Seidenpapier sah, die verwirrende Formen bedeckten, und fragte ihn nach einer Erklärung. Pompon antwortet einfach: "Das sind kleine Skulpturen, die ich zum Spaß mache. René bat darum, sie sich ansehen zu dürfen, und war überrascht, wahre Meisterwerke zu sehen, diese Studien, die nichts anderes waren als die Gans, die Ente, das Huhn ... in all ihrer Schönheit und der Reinheit ihrer Linien". Die schriftlichen Erinnerungen der Ehefrau von René Demeurisse zeugen von diesem entscheidenden Moment um 1919, als Pompon den Mann kennenlernte, der dazu beitrug, ihn aus seinem Patrizierstatus herauszulösen und ihn zum wahren Führer der Tierplastik des 20. Seit den 1880er Jahren hatte Pompon Freude daran, Tiermotive zu schaffen, indem er extrem vereinfachte Formen bearbeitete. Er modellierte insbesondere kleine Hinterhoftiere, die er in der Normandie beobachtete, wo er ein Haus in der Nähe des Hauses seines Freundes René de Saint-Marceaux erworben hatte. Eine erste Tierbronze stellte er übrigens auf dem Salon von 1892 aus (Poulet, Nr. 2992). Der berühmte Verleger Adrien Hébrard interessierte sich für seine Serien von Haustieren und präsentierte 1919, nach dem Ende des Ersten Weltkriegs, die erste Pompon-Ausstellung. 1912 überließ der Bildhauer Hébrard das Wachsmodell des Perlhuhns und beauftragte ihn mit der Herausgabe. Während zwei erste Bronzefiguren 1914 angefertigt wurden, entstand der Großteil der Edition zwischen 1918 und 1933.

Schätzw. 10.000 - 15.000 EUR

Sehr schöner Adler aus dem Mittelteil des Hauptraums des großen Hauptstücks von Kaiser Napoleon III. für den Tuilerienpalast, ausgeführt von dem Goldschmied Christofle, der nach dem Brand vom 23. Mai 1871 gerettet wurde: Adler aus versilbertem Messing mit ausgebreiteten Flügeln, wobei die linke Klaue auf einem Blitz ruht und die rechte einen Schild mit der Zahl: "N" über der Kaiserkrone hält; er wird auf einem modernen Sockel aus patinierter Bronze präsentiert. Diese Adler befanden sich ursprünglich in der Mitte des Hauptstücks des vor allem, einer auf der Vorderseite, der andere auf der Rückseite. Das kolossal große Hauptelement im Mittelteil des Tisches stellt Frankreich beim Verteilen von Auszeichnungen dar. 44 x 28 cm. (Riss in der Pfote, die das Wappenschild hält). Epoche 1855/1856. Sehr guter Zustand für ein Stück, das einen Brand erlitten hat. Der Auftrag für das große versilberte Hauptstück stammt aus dem Jahr 1852, als Louis-Napoléon BONAPARTE noch Prinzpräsident war. Im Jahr 1852 wurde bei Christofle ein Tafelservice mit hundert versilberten Gedecken vom Haushaltsvorstand des Prinzenpräsidenten bestellt. Die Gesamtheit aus dem großen versilberten Hauptteil und dem Service der hundert Gedecke (Manufacture de Sèvre) wurde am 18. Februar 1856 fertiggestellt. Es wurde auf der Weltausstellung 1855 in Paris präsentiert, als es noch nicht vollständig war; das surtout war dort ein großer Erfolg, nicht zuletzt wegen der Verwendung des völlig neuen Galvanoplastikverfahrens, das als Revolution angesehen wurde. Dieses Exemplar ist in dem Buch zur Ausstellung im Schloss von Versailles: Versailles et les tables royales en Europe, 3. November 1993 bis 27. Februar 1994 abgebildet. Es ist auf den Seiten 246 bis 248 abgebildet; auf Seite 247 ist der mittlere Teil des Hauptelements zu sehen, auf dem einer der Adler abgebildet ist; der hier gezeigte Adler war wahrscheinlich der auf der anderen Seite. Eine wichtige Studie zu diesem vor allem auf den Seiten 371-379.

Schätzw. 15.000 - 18.000 EUR

MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945). "Ochsen im Stall", 1935-1936. Relief aus Terrakotta auf Holzsockel. Werk katalogisiert in dem Buch "Manolo. Bildhauerei, Malerei und Zeichnung", Montserrat Blanch, nº197, Seite 114. Provenienz: Sammlung Jacky J. Druker, Freund und Mäzen von Joan Brotat. Maße: 34 x 34 x 3 cm; 6 cm (Sockelhöhe). In dem von Montserrat Blanch verfassten Werkverzeichnis über Manolo Hugué sind mehrere Werke abgebildet (Vorzeichnungen, Flachreliefs in Terrakotta, aber auch in Stein), deren Thema Ochsen sind (im Allgemeinen paarweise dargestellt), zu denen auch das vorliegende Werk gehört. Es handelt sich um eine Produktion, die zwischen 1917 und 1923 entstanden ist, Jahre, in denen der Bildhauer der Terrakotta neue thematische und formale Vorschläge einhaucht. Zurück in Ceret, nach seiner Pariser Zeit, widmete er sich dem Studium von Kadenzen, Rhythmen, archaisch inspiriertem Essentialismus... eine Summe von Strategien, um aus der Stagnation auszubrechen und die bildhauerische Sprache zu erneuern, ohne den Dialog mit den Klassikern aufzugeben. In diesem Relief durchdringt eine ruhige Energie wie eine unsichtbare Kraft die Körper, die sich in den abgerundeten Profilen mit geometrischen Einschnitten abwechseln. Die Vorderbeine des liegenden Ochsen passen sich dem Winkel an und suchen eine gewisse konzeptionelle Spannung zwischen den Volumina und ihrer Einfassung in einer präzisen viereckigen Begrenzung. Damit ahmt er die in den Metopen entwickelte griechische Kunst nach. Die räumliche Andeutung ist kurz und synthetisch: einige schematische Elemente skizzieren die Idee eines Stalls. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, wurde an der Escuela de la Lonja in Barcelona ausgebildet. Er nimmt regelmäßig an den Treffen der "Els Quatre Gats" teil und schließt Freundschaft mit Picasso, Rusiñol, Mir und Nonell. Im Jahr 1900 zog er nach Paris, wo er zehn Jahre lang lebte. Dort nahm er seine Beziehung zu Picasso wieder auf und schloss Freundschaft mit anderen Theoretikern der Avantgarde wie Apollinaire, Modigliani, Braque und Derain. In der französischen Hauptstadt beschäftigte er sich mit der Gestaltung von Schmuck und kleinen Skulpturen, beeinflusst durch die Arbeit seines Freundes, des Bildhauers und Goldschmieds Paco Durrio. 1892 arbeitete er mit Torcuato Tasso an dekorativen Werken für die Feierlichkeiten zum hundertjährigen Jubiläum der Entdeckung Amerikas. Zwischen 1910 und 1917, als er sich ganz der Bildhauerei widmete, arbeitete er in Ceret, wo er eine heterogene Gruppe von Künstlern um sich scharte, unter denen Juan Gris, Joaquín Sunyer und wiederum Picasso hervorstachen. In diesen Jahren hatte er Ausstellungen in Barcelona, Paris und New York. Im Jahr 1932 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jorge in Barcelona ernannt. Das Wesentliche in Hugués Werk ist die Beziehung zur Natur, wobei er die menschliche Figur als integriertes Element in die Natur einbezieht. Dies ist ein Merkmal des noucentistischen Klassizismus, aber bei Hugué geht es über dessen begrenzte Ursprünge hinaus. Er stellte in der Regel Bauern dar, aber auch Stierkämpfer und Tänzer - wie hier zu sehen ist -, immer mit einer Detailgenauigkeit und einem Sinn für Texturen, die seine frühere Ausbildung als Goldschmied verraten. In seiner künstlerischen Produktion koexistieren die mediterrane Tradition, der griechische Klassizismus und Archaismus, die Kunst des alten Ägyptens und Mesopotamiens mit der europäischen Avantgarde, die er assimilierte und aus erster Hand kannte, insbesondere der Fauvismus und der Kubismus von Matisse. Werke von Hugué befinden sich unter anderem im MACBA, im Centre Georges Pompidou in Paris, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Nationalmuseum und Kunstzentrum Reina Sofia.

Schätzw. 2.200 - 2.500 EUR

ATTRIBUTED INNOCENZO SPINAZZI (1726-1798), ITALIAN - ZUGESCHRIEBEN INNOCENZO SPINAZZI (1726-1798) ITALIENISCH, FLORENZ, CA. 1775 PÄRCHEN KAPRIZEN Marmor je 115 x 154 cm Provenienz: Giovanni Pratesi Antiquario, 2011 Diese außergewöhnlichen Marmorsteinböcke sind wegen ihrer Größe, Qualität und ihres Zustands sowie wegen der Seltenheit des Themas in der italienischen Bildhauerei außergewöhnlich. Das Modell stammt aus dem Florenz des 16. Jahrhunderts und wurde zur Verzierung monumentaler Torpfosten in den Boboli-Gärten geschaffen, dem berühmten Park, der mit dem Palazzo Pitti verbunden ist. Sie werden einem Bildhauer aus dem Umkreis von Bartolomeo Ammannati (1511-1592) zugeschrieben und flankieren den Eingang zur Isola, einem Teil der Gärten, in dessen Zentrum sich Giambolognas meisterhafter Oceanus-Brunnen befindet. Der Steinbock war ein wichtiges Emblem für Cosimo I. de' Medici (1519-1574), für den das Sternzeichen der Aszendent war, und seine Verwendung hier könnte eine Hommage an Lorenzo il Magnifico, den Medici-Herrscher des späten 15. Jahrhunderts, gewesen sein, der am 1. Januar 1449 geboren wurde und damit ein Steinbock war. In der Mitte des 18. Jahrhunderts waren die Boboli-Gärten verfallen. Mit der Ankunft des lothringischen Großherzogs Pietro Leopoldo (später Kaiser Leopold II.) in Florenz im Jahr 1770 wurde ein Programm zur Restaurierung der Gärten eingeleitet. Der Auftrag an Innocenzo Spinazzi ist für die Jahre 1775-1777 dokumentiert. Der römische Bildhauer sollte die Capricorns aus dem 16. Jahrhundert reparieren, kopieren und restaurieren, die schließlich wieder in den Boboli-Gärten aufgestellt wurden. Die Capricorns sind die Krönung von Spinazzis Arbeit am Projekt der Boboli-Gärten, und dieser Aspekt seiner Karriere wurde von Prof. Gabriele Capecchi eingehend untersucht. Er hat ausführlich über die Boboli-Gärten geschrieben und einen den Capricorns gewidmeten Band verfasst, in dem alle damit zusammenhängenden Dokumente aufgeführt sind und dem der vorliegende Text zu verdanken ist. Capecchi hat eine Reihe von Dokumenten veröffentlicht, die vom Scrittoio della Fortezza e Fabbriche in den 1770er Jahren herausgegeben wurden und sich auf das Programm der Restaurierung der Boboli-Gärten beziehen. Ein Dokument vom 27. Januar 1776 beschreibt die Vasca detta dell'Isola, deren Skulpturen restauriert werden mussten, darunter vier Capricorns, die als von Giambologna und seinen Assistenten beschrieben werden; Capecchi schreibt sie dem Kreis von Ammannati zu, einem Zeitgenossen Giambolognas. In diesem Dokument wird beschrieben, wie zwei der Statuen zur Reparatur in Spinazzis Atelier geliefert wurden, und es wird angegeben, dass zwei Abgüsse gemacht werden sollten, von denen vier Statuen angefertigt werden sollten. Weiter heißt es in den Dokumenten, dass für diese neuen Abgüsse hochwertiger Marmor benötigt wurde, der direkt aus Carrara herbeigeschafft werden sollte, da die Qualität des vorhandenen Marmors im Lager von S. Lorenzo unzureichend war. Aus den Dokumenten geht hervor, dass Spinazzi diesen Auftrag zusammen mit seinem Assistenten Giuseppe Belli ausführte, während die Gipsabgüsse von dem spezialisierten Handwerker Niccolò Kindermann angefertigt wurden. Im Juli 1777 wurde der ursprüngliche Plan, die Steinböcke aus dem 16. Jahrhundert durch neue zu ersetzen, vermutlich aufgrund von Zeitdruck und Geldmangel zugunsten einer Restaurierung der ursprünglichen Marmorstatuen mit neuen Köpfen, Hörnern und Schwänzen geändert. Die vier restaurierten Statuen wurden in die Boboli-Gärten zurückgebracht und am 26. August 1777 wieder aufgestellt. Das vorliegende Marmorpaar entspricht der Beschreibung der Capricorns in diesen Dokumenten. Es ist jedoch offensichtlich, dass sie sich in vielen Details von den vorhandenen Capricorns in den Boboli-Gärten unterscheiden. Die Schnitzerei der Haare auf den Köpfen, die Anatomie der Münder und die Schnitzerei der Augen sind alle unterschiedlich. Auffallend ist, dass sich die Schwänze der vier vorhandenen Steinböcke im Boboli-Garten unterscheiden: bei zwei ist der Schwanz nach unten und bei zwei nach oben gerichtet. Die jetzigen Capricorns entsprechen den letzteren. Diese Unstimmigkeiten werfen die Frage auf, welche Tiere in den Boboli-Gärten das Werk von Spinazzi, Harwood und Capezzóli sind und warum die heutigen Marmorstücke anders sind. Als Spinazzi den Auftrag zur Restaurierung und Kopie der Capricorns erhielt, brachte er einen reichen Erfahrungsschatz mit, den er bei der Arbeit mit antiken Skulpturen in Rom gesammelt hatte und der ihn sicherlich fünf Jahre zuvor dem Großherzog empfohlen hatte. Sicherlich war er ein erfahrener Restaurator antiker römischer Statuen und fertigte exakte Kopien von hoher Qualität an. Die Capricorns gehören zur gleichen Gattung, unterscheiden sich aber durch ihre Tiermotive. Hier ist seine Quelle nicht die Antike, sondern ein Modell aus dem 16. Im späten 18. Jahrhundert glaubte man, dass die Capricorns von Boboli vom großen Giambologna stammten, dessen Skulpturen für die Grand Tourists mit der gleichen Ehrfurcht reproduziert wurden, die man antiken Marmoren entgegenbrachte. Es ist also naheliegend, dass Spinazzi seinen Auftrag, die Steinböcke zunächst zu kopieren und dann zu restaurieren, mit großem Respekt vor den Originalen angegangen ist. So erklären sich auch die deutlichen Unterschiede zwischen den Köpfen der Steinböcke im Boboli-Garten und dem vorliegenden Paar: Die Augen der Tiere in situ sind ungeschnitzt, die Form der Schnauze und des Schwanzes sind anders, das Haar ist mit kürzeren, tiefer geschnitzten Locken dargestellt und die Haare sind nicht so stark ausgeprägt.

Schätzw. 80.000 - 120.000 GBP

AUGUSTE PUTTEMANS (1866 - 1922) - Auguste PUTTEMANS (1866 - 1922) Isis, Göttin des Lebens Bronzeskulptur mit brauner Patina. Inschrift auf der Basis: "Ich bin das, was war und was sein wird. Kein Sterblicher hat bisher den Schleier gelüftet, der mich verhüllt". Signiert auf der Terrasse und Gießerstempel auf der Rückseite "Fonderie Nationale des bronzes Ancienne Firme J. Petermann St Gilles Bruxelles". 59,5 cm X 29 cm X 37,5 cm Anmerkung: Ein vollkommen symbolisches Werk. Die Göttin Isis-Nature ist die höchste Gottheit in den Kreisen der Freimaurer. In dieser Darstellung ist Isis verschleiert und erinnert so an das Geheimnis des Lebens. In ihrer linken Hand hält sie das Ânkh-Kreuz, das Symbol des Lebens, und ihr Zeigefinger zeigt nach unten, was an den Zustand des Menschen erinnert. Ihre rechte Hand trägt einen dreiflammigen Parfümbrenner, der die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft symbolisiert. Die vielen Details, die an die Ästhetik des alten Ägyptens erinnern, symbolisieren die kosmischen und irdischen Kräfte der Götter Amun und Horus. Dieses Werk von Auguste Puttemans wurde 1922 als Dankeschön für Herbert Hoover ausgewählt, der die Commission for Relief in Belgium gründete. Diese Kommission hatte das Ziel, Belgien während des Ersten Weltkriegs, das damals vom Deutschen Reich besetzt war, mit Lebensmitteln zu versorgen. Soweit uns bekannt ist, ist diese Skulptur der einzige Bronzeabzug, der als Verkleinerung gegossen wurde, um ihn dem zu diesem Anlass versammelten belgischen Komitee zu präsentieren. Die 1922 den Amerikanern geschenkte Skulptur steht seit 1939 vor dem Haus von Herbert Hoover in West Branch (Iowa). Es gibt eine andere Version der verschleierten Isis, die von Auguste Puttemans geschaffen wurde und unter anderem in der Ausstellung 'Egypte. Ewige Leidenschaft' im Königlichen Museum von Mariemont (24/09/22 - 16/04/23) gezeigt wurde.

Schätzw. 6.000 - 8.000 EUR

Brazilian school. 18th century. - Brasilianische Schule. 18. Jahrhundert. Gegliederter Christus'. Wunderschöne Skulptur aus geschnitztem Holz, möglicherweise Birnbaum und mit Glasaugen. Höhe: 171 cm. Dies ist eines der eindrucksvollsten Beispiele dieser Art von Figuren, mit einer Behandlung der Anatomie, die der besten Hohlmeißel würdig ist. Der Bildhauer spart kein Detail aus, um uns einen männlichen Körper mit einem Schönheitskanon in seiner maximalen Pracht zu zeigen. Er hält inne, um die Rippen rundherum, das Brustbein, den Bauch, den Unterleib, die Brustwarzen und den Nabel zu modellieren, fährt mit der Muskulatur der Beine fort und endet mit einer akribischen Behandlung der Hände und Füße, wo er Adern, Knochen und Sehnen bis ins kleinste Detail markiert. Besonders hervorzuheben ist der Kopf, der an sich schon ein Kunstwerk ist: Er modelliert einen jungen Jesus mit einer Knochenstruktur von großer Schönheit, mit ausgeprägten Wangenknochen, einer aquilinen Nase und ausgeprägten Augenbrauen auf einer tiefen Augenhöhlenregion, in der wache und lebhafte grüne Augen ruhen. lebendige grüne Augen. Der Schnitzer vollendet sein Werk mit fleischigen, halb geöffneten Lippen, die leicht die Zähne enthüllen, Ohren von perfekter Morphologie, Schnurrbart und einem gespaltenen Bart aus lockigem Haar. Der obere Teil des ursprünglichen Holzstabs, der die Bewegung des Kopfes ermöglichte und möglicherweise durch die Tür auf der Rückseite der Figur betätigt wurde, ist nicht erhalten geblieben. Stattdessen finden wir heute einen kleinen Holzdocht, der an den Hals geklebt ist und in den der Kopf eingesetzt wird. Der untere Teil dieses Mechanismus ist jedoch erhalten, obwohl er seine Funktion verloren hat, da er nicht mehr mit dem Kopf in Verbindung steht.

Schätzw. 12.000 - 18.000 EUR