Gemälde

Die zeit, schnell! Auf auktionen für gemälde beherrschen alte gemälde ein weites feld, das sieben jahrhunderte umfasst, von griechisch-byzantinischen ikonen bis zu romantischen landschaften. Nach 1870 folgten die impressionistischen und modernen gemälde bis zum zweiten weltkrieg mit den impressionistischen und neoimpressionistischen schulen, gefolgt von den fauvisten, kubisten, surrealisten usw. Ab 1945 umfassten die nachkriegs- und zeitgenössischen gemälde die künstlerische produktion vom abstrakten expressionismus über den spatialismus und die pop-art bis hin zur arte povera. Die in den auktionen von gemälden angebotenen gemälde lassen die gesamte kunstgeschichte in atemberaubender weise revue passieren: religiöse gemälde, stillleben, vanitas, blumenbilder und genrebilder der holländischen und flämischen schulen, historische themen und mythologische szenen, historienbilder, landschaften des späten 18. Und frühen 19. Jahrhunderts... Die revolutionen in der malerei des späten 19. Jahrhunderts und das abenteuer der avantgarden des 20. Jahrhunderts spielen sich ebenfalls vor unseren augen auf den auktionen ab, bis hin zu den subversionen der aktuellen kunst.

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Empfohlene Lose

Germaine RICHIER (1904-1959) Fechterin mit Maske, 1943 Bronzeabzug mit dunkelbrauner Patina, signiert und gerechtfertigt 3/6 auf der Terrasse und mit der Marke des Gießers Susse "Susse Fondeur Paris" auf der rechten Seite der Terrasse. Der Originalabzug dieses Werks umfasst 11 Abzüge, die von 1/6 bis 6/6 und HC1, HC2, HC3, EA und 0/6 gerechtfertigt sind. H. 105 cm - B. 71 cm - T. 32 cm DV. Werk präsentiert auf rechteckigem, schwarz bemaltem Holzsockel. Maße mit Sockel: H. 120 cm - B. 71 cm - T. 38 cm. Provenienz: Sammlung Michelle und Pierre Fagot, Schenkung von Henri Creuzevault an seine Tochter und seinen Schwiegersohn. Bibliografie/Ausstellungen (unser Exemplar) : London, Galerie Gimpel Fils, 26. Juni bis Ende August 1973, Germaine Richier Rétrospective, Nr. 2. Bibliografie/Ausstellung (für ähnliche Abzüge) : Angela Lammert, Jörn Merkett mit Beiträgen von Françoise Guiter und Christa Lichtenstern, Germaine Richier, Katalog der Ausstellung in der Akademie der Künste, Berlin vom 7. September bis 2. November 1997, Köln, Wienand Verlag, 1997, S. 102, Nr. 14. Collectif, Catalogue des expositions Richier, Japon, Tokyo et Osaka, 1976, Contemporary Sculpture Center, 1976, abgebildet auf Seite 16 (Nr. 2) und beschrieben auf Seite 48 mit falschem Titel und Datum (unpaginiertes Exemplar). Sowohl das Musée Fabre in Montpellier als auch das Kunst Musuem in Bern (Schweiz) bewahren ein Exemplar dieser Skulptur auf. Die Fechterinnen, die es in zwei Versionen gibt, mit und ohne Maske, scheinen zunächst zur klassischen Periode von Germaine Richier zu gehören, der ehemaligen und einzigen Privatschülerin von Antoine Bourdelle zwischen 1926 und dem Tod des Meisters im Jahr 1929. In den ersten Jahren ihrer Unabhängigkeit ließ sich die Bildhauerin in Paris nieder. Ihre Arbeiten, überwiegend Büsten, die stark vom Geist Bourdelles beeinflusst waren, wurden beachtet und führten 1936 zum Erhalt des Blumenthal-Preises. Germaine Richier, die im Dezember 1929 den Schweizer Bildhauer Otto Bänninger, einen Praktiker von Bourdelle, heiratete, entwarf in der ruhigen Schweiz die Voraussetzungen für ihr fulminantes Werk, das sie zwischen 1939 und 1946 in Zürich ansiedelte. Escrimeuse avec masque wird oft im Duett mit L'Escrimeuse gezeigt, wobei die beiden Skulpturen einander gegenüberstehen und einen Kampf simulieren. Escrimeuse avec masque gehört neben Werken wie Le Crapaud (1940) oder La Sauterelle (1944) zu dieser fruchtbaren Periode der Forschung und der Infragestellung des Bestehenden. Die Wahl der Darstellung dieser Sportart lässt sich leicht in ihrer Beziehung zu Bewegung und Stabilität erklären. Die Parallelen zwischen der Skulptur und dem Fechtsport sind eklatant, wenn man sie unter dem Gesichtspunkt des Gleichgewichts betrachtet. Diese beiden Skulpturen erscheinen wie eine der ausgereiftesten Bewegungsstudien, die uns die Bildhauerin gegeben hat, die veristische Umsetzung der Körper, die auf wunderbare Weise zwischen schwungvoller Bewegung und Stillstand schwanken. Wenn es stimmt, dass Germaine Richier Waffenhallen besuchte, ist die Pose ihres Modells präzise und verweist auf das achte und letzte Stadium der Warnung, kann aber auch als Gegenhaltung gelesen werden, indem die rechte Hand eine Parade im Sextus andeutet. Diese zweideutige Haltung, offen und ruhig, aber gleichzeitig beunruhigend und sprungbereit, ist ein meisterhafter Vorbote der rätselhaften und aggressiven Haltungen der Hybridkreaturen, die sie ab 1946 entwarf, wie L'Araignée I oder La Mante, grande, wobei die Tierhaftigkeit hier durch die Maske mit ihrer unleugbaren entomischen Dimension unterstrichen wird.

Schätzw. 80.000 - 120.000 EUR

Jean DUBUFFET (1901-1985) Theatermaske IV, 6. März 1969 Übertragung auf Polyester, monogrammiert und datiert 69 auf der rechten Seite. Einzelstück, ursprünglich auf einem Plexiglassockel montiert. H. 39,5 cm - B. 31,5 cm - T. 5 cm ohne Sockel. H. 46,5 cm - B. 31,5 cm - T. 20 cm mit DV-Sockel. Werk leicht verstaubt mit einigen winzigen schwarzen Farbfehlstellen an den Rändern und einem sehr kleinen Splitter auf der Rückseite. Bibliografie : Max Loreau, Catalogue des travaux de Jean Dubuffet, fascicule XXIV: Tour aux figures, amoncellements, cabinet logologique. Paris, Weber, 1973, beschrieben und abgebildet unter der Nummer 130, Seite 132. Dieses Werk ist das vierte aus der seltenen Serie der Theatermasken, die nur fünf Deklinationen kennt. Provenienzen: Sammlung Michelle und Pierre Fagot, Geschenk von Henri Creuzevault an seine Tochter und seinen Schwiegersohn. Jean Dubuffets kreativer Überfluss ist in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts beispiellos. Der Künstler handelte mit einer vollkommenen kreativen Freiheit, die durch eine extreme Strenge bei der Herstellung seiner Werke und der Organisation seiner Arbeiten kanalisiert wurde. Er ging in Serien vor und schöpfte das kreative Potenzial einer Idee, eines Themas, einer Technik, eines Trägers oder eines Materials aus, wobei er sich natürlich auch ein Kommen und Gehen erlaubte. Ab 1962 begann der sehr ehrgeizige Zyklus L'Hourloupe, eine scherzhafte Bezeichnung, die sehr unterschiedliche Kreationen umfasst, von monumentalen Umgebungen wie La Closerie Falbala (1971-1973) über La Tour aux figures (1968-1985) bis hin zu darstellenden Künsten wie Coucou Bazar (1973), ohne dabei die Leinwände, Zeichnungen und Skulpturen zu vergessen, die durch die drei Grundfarben Rot, Blau und Weiß gekennzeichnet sind, die zunehmend durch Streifen oder Schraffuren unterbrochen werden. Im Register der wesentlichen Skulpturen im Zyklus L'Hourloupe entwickelte Jean Dubuffet eine völlig innovative Technik, indem er völlig synthetische Materialien wie Polyester, Epoxy oder sogar Polystyrol verarbeitete. Die sehr kurze Folge der Masques de Théâtre, die nur fünf Kreationen umfasst, folgt auf die Fertigstellung des Cabinet Logologique, das den Künstler von August 1967 bis Februar 1969 beschäftigte, ein meditativer Ort, der sich heute im Herzen von La Closerie Falbala befindet. Diese erstaunlichen Figuren erinnern an die sieben monumentalen Figuren, die Ende 1967 als Praticables entworfen wurden, die das Ballett Coucou Bazar vorwegnahmen, besitzen jedoch unbestreitbar ihre eigene Autonomie, die man durchaus als einen Katalog von Ausdrucksfiguren interpretieren kann, deren plastische Vielfalt an die berühmten Masken des Noh-Theaters erinnert. Diese Skulptur ist die dritte dieser fünfteiligen Suite, die vom Auktionshaus De Baecque & Associés angeboten wird, nachdem Masque de théâtre II am 11. Dezember 2019 und Masque de théâtre I am 19. November 2021 erfolgreich versteigert wurden und die beiden vorherigen Skulpturen aus der Sammlung von Colette Creuzevault stammen.

Schätzw. 80.000 - 120.000 EUR

ACHILLE LAUGÉ (1861-1944) ROUTE D'AUTOMNE, 1922 Öl auf Leinwand Signiert und datiert unten rechts Oil on canvas; signed and dated lower right 50 X 73 CM - 19 3/4 X 28 3/4 IN. PROVENANCE Ein Zertifikat von Madame Nicole Tamburini wird dem Käufer ausgehändigt. Auktion, Paris, Cornette de Saint-Cyr, 21. Februar 2004, Los 213. Auf dieser Auktion vom derzeitigen Besitzer erworben. Private Sammlung, Frankreich. Achille Laugé, ein Kind des okzitanischen Landes, setzte vor allem das warme Licht der bukolischen Landschaften in Szene, die er so sehr liebte. Als Schüler der Schönen Künste in der Belle Époque war Laugé Zeuge seiner Zeit und lieferte uns seine Interpretation des Neoimpressionismus; die Loslösung der Pinselstriche, die Übertragung von Lichtvibrationen durch Landschaften, die für sein Werk charakteristisch sind. Tatsächlich verliert sich Laugé nicht in den Details der Szenerie, möchte keine Alltagsszene darstellen, sondern konzentriert sich auf die Komposition und die Farben. Obwohl der Künstler uns auch Porträts hinterlassen hat, sind es seine Straßenszenen, die ihn am besten verkörpern. Obwohl er kein begeisterter Pointillist war - es gibt keine direkte Korrespondenz zwischen Seurat und Laugé -, ist es doch wahrscheinlich, dass der junge Achille nicht unberührt blieb. Unser Ölgemälde ist übrigens eine Anlehnung an diese Technik, insbesondere durch die Behandlung des kleinen Punktes. Es ist jedoch sicher, dass Laugé einen freieren Stil beibehält, der sich den Beschränkungen der theoretischen Malerei entzieht und die Regeln des Divisionismus durch die Verwendung der Linie außer Kraft setzt. Die Linie, die in der Form der Hügel und Bäume präsent ist, wird durch eine königsblaue Linie hervorgehoben, die an den Einfluss von Gauguin erinnert. Im Gegensatz zu Gauguin blieb seine Inspirationsquelle die Aude und nicht die exotischen Inseln, die er im Laufe der Zeit sublimieren konnte, indem er seine Gemälde im Laufe der Jahreszeiten verwandelte.

Schätzw. 30.000 - 50.000 EUR

TITIAN (Tiziano Vecelli or Vecellio) after (Italian) - A Portrait of CATERINA CORNARO as Saint Catherine of Alexandria - TITEL : Ein Porträt von CATERINA CORNARO als Heilige Katharina von Alexandrien Öl auf Leinwand Mitte des 18. Jahrhunderts gerahmt in einem kunstvoll geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen ABMESSUNGEN 100 x 73 cm 142 x 118 cm (mit Rahmen) Im Jahr 2002 wurde vom jetzigen Besitzer eine umfassende und detaillierte Analyse des Gemäldes in Auftrag gegeben. Dieser 5-seitige detaillierte Bericht ist auf Anfrage erhältlich. Untersucht und analysiert wurden der Schichtaufbau, die verwendeten Materialien und Farbpigmente. Der Bericht kommt zu dem Schluss, dass das Gemälde in der Mitte des 18. Jahrhunderts entstanden ist. Dieses feine, detaillierte Porträt von Caterina Cornaro basiert auf dem Original von Tizian aus dem Jahr 1542, das sich heute in den Uffizien in Florenz befindet. Obwohl auch Bellini, Giorgione und Dürer sie gemalt haben sollen, ist dieses Porträt von Tizian die bekannteste Darstellung von Caterina Cornaro. Auf dem Gemälde ist sie als Heilige Katharina von Alexandria dargestellt, mit ihrem Attribut des Martyriums, einem Rad, das unten rechts im Hintergrund zu sehen ist. Cornaro ist hier in einem prächtigen offenen Mantel mit Goldstickerei und Perlenbesatz und einem ebenfalls mit Perlen besetzten Seidenkleid dargestellt. Auf dem Kopf trägt sie eine goldene Krone mit einem Schleier, der mit Edelsteinen und Perlen verziert ist. Caterina Cornaro (1454 -1510) war die letzte Monarchin des Königreichs Zypern, die von 1474 bis 1489 regierte. Sie war die Tochter des Venezianers Marco Cornaro und der Fiorenza Crispo. Die Familie Cornaro hatte vier Dogen hervorgebracht. Durch ihre Heirat mit Jakob II. von Zypern im Jahr 1472 wurde sie Königingemahlin von Zypern. Wenige Monate nach ihrer Heirat starb Jakob II. und Cornaro wurde schließlich 1474 Königin von Zypern. Sie regierte bis 1489, als sie gezwungen wurde, abzudanken und ihre Rechte als Herrscherin an den Dogen von Venedig abzutreten.

Schätzw. 25.000 - 75.000 EUR

Seguace di Antonello da Messina (Messina 1430 circa - 1479) del XVI secolo - Nachfolger von Antonello da Messina aus dem 16. Jahrhundert (Messina, ca. 1430 - 1479) Christus an der Säule Öl auf Platte 32 x 21 cm Das Werk basiert auf einer von Antonello da Messina 1473 gemalten Tafel mit demselben Thema, 48,5 × 38 cm, die in Piacenza im Collegio Alberoni aufbewahrt wird und von der es mindestens eine weitere Version in Genua in der Galleria Nazionale di Palazzo Spinola gibt. Varianten desselben Motivs befinden sich im Louvre in Paris und im Metropolitan Museum in New York. Kopien aus der gleichen Zeit befinden sich in mehreren Museen auf der ganzen Welt, darunter auch in der Gallerie dell' Accademia in Venedig. Antonello da Messina war zwischen 1445 und 1455 bei Colantonio in Neapel in der Lehre. Zwei Jahre später, im Alter von 27 Jahren, war er ein unabhängiger Maler. Nach der neapolitanischen Ausbildungszeit kehrte er fast dauerhaft nach Messina zurück, obwohl die wichtige zweijährige Zeit in Venedig (1475-76) nicht vergessen werden sollte, wo sein Einfluss mit den Anfängen der Renaissance zusammenfiel, insbesondere dank Giovanni Bellini und Vittore Carpaccio. Er war sicherlich auch in Mailand, und ein Aufenthalt in Flandern, um von Jan van Eyck und seinem Bruder Hubert zu lernen, wie Vasari berichtet, um den flämischen Einfluss seiner Malerei zu rechtfertigen, ist ziemlich unwahrscheinlich. Der Überlieferung zufolge war Antonello der erste italienische Maler, der Ölfarben verwendete und dank seiner Kenntnis der flämischen Technik und des flämischen Gebrauchs auch Dreiviertelporträts anfertigte. Anhänger von Antonello da Messina (Messina um 1430 - 1479) aus dem 16. Christus an der Säule Öl auf Platte 32 x 21 cm Das Kunstwerk ist inspiriert von der 1473 von Antonello da Messina gemalten Tafel desselben Themas (48,5 × 38 cm), die in Piacenza im Collegio Alberoni aufbewahrt wird und von der es zumindest eine weitere Version in Genua in der Nationalgalerie des Palazzo Spinola gibt. Varianten desselben Motivs befinden sich im Louvre in Paris und im Metropolitan Museum in New York. Zeitgenössische Kopien befinden sich in mehreren Museen auf der ganzen Welt, darunter in den Galerien der Akademie von Venedig.

Schätzw. 1.500 - 2.500 EUR